Guide de Conception de Personnages : 30 Astuces pour des Illustrations Iconiques 2025
Maîtrisez la conception de personnages avec 30 astuces éprouvées pour créer des illustrations iconiques. Apprenez à concevoir des personnages mémorables qui donnent vie à vos histoires et captivent les lecteurs.
Introduction : La puissance du design de personnages simple
Dans le monde de l'illustration, un design fort n'a pas toujours besoin d'être complexe ou difficile. En fait, certains des personnages illustrés les plus célèbres sont basés sur des principes de design simples mais puissants. Pensez simplement aux Simpsons ou à Charlie Brown : deux personnages apparemment simples, mais immédiatement reconnaissables et iconiques.
Cependant, il n'est souvent pas aussi simple qu'il n'y paraît de trouver la combinaison parfaite de simplicité et de clarté. Ce guide présente des conseils pratiques pour le design de personnages avec de nombreux exemples pour illustrer, bien sûr.
🎨 Vous voulez concevoir des personnages iconiques ? Suivez ces 20 conseils pour des designs de personnages simples mais mémorables.
Centrer le récit
L'illustration est, au fond, un médium narratif qui aide les lecteurs et les spectateurs à connaître un personnage au-delà de son apparence. Centrer l'histoire avant même de commencer à penser aux visuels pose une base solide et ajoute de la profondeur à votre design de personnage.
Mais « centrer l'histoire » semble assez abstrait, alors décomposons-le un peu plus.
- Donnez un passé à votre personnage
Une première étape pour centrer le récit est de commencer à penser au passé du personnage. Vous n'avez pas besoin d'aller aussi en profondeur qu'un auteur, mais avoir une idée de qui est le personnage et de ce qu'il fait peut stimuler l'imagination et permettre de dessiner quelque chose qui capte l'attention.
Par exemple, lors du développement d'une silhouette unique ou de l'exagération d'une caractéristique particulière (dont nous parlerons plus en détail plus tard), connaître le passé du personnage peut influencer tout, de leur tenue à leur posture.
💡 Astuce Pro : Assurez-vous que l'apparence extérieure du personnage correspond à son arc narratif pour éviter toute dissonance distracting entre les deux !
Si vous travaillez avec un client qui connaît déjà le passé du personnage, comme un auteur, vous pouvez lui demander directement les informations nécessaires pour avancer. Ainsi, vous pouvez vous assurer que les cheveux du personnage sont vraiment rouge flamboyant ou qu'il tient un arc d'archerie, comme demandé. Mais si ce n'est pas une option, investir du temps pour créer un profil approximatif de ces personnages aidera à obtenir un design plus cohérent et constant, et en vaudra la peine à long terme.
- N'oubliez pas qui est le public cible
À l'instar des auteurs, vous devez avoir une bonne idée de qui est votre public cible pour vous assurer de parler un langage pictographique que le public comprendra.
Idéalement, le monde entier appréciera l'œuvre, mais de manière réaliste, le public sera plus restreint, donc créer un membre hypothétique du public idéal peut aider à faire de meilleurs choix de design. Mettez-vous à la place du public et considérez quelles autres références ils ont avant de venir à l'œuvre et ce qu'ils s'attendent à voir dans le type d'histoire qui est racontée.
Questions utiles pour déterminer le public cible :
- Quelle est la démographie de votre public cible ? Une nièce pourrait aimer un type de personnage, tandis qu'un oncle préférera probablement quelque chose de complètement différent.
- Quelles références et expériences antérieures votre public cible a-t-il ? Sont-ils un lecteur expérimenté de Manga, un étudiant en Arts classiques, ou un débutant complet en narration visuelle ?
- Quel genre ou type d'illustration faites-vous ? Les romans graphiques de super-héros, les manhwas slice-of-life et les livres d'images fantaisistes viennent avec différentes conventions stylistiques et thématiques que le public s'attendra à ce que vous respectiez ou défiez, mais au minimum reconnaissez.
On ne peut pas concevoir un personnage sur mesure pour chaque type de lecteur. Mais poser ces questions lance un processus de réflexion qui informe le design. Cela façonne la manière dont les lecteurs interprètent, résonnent et apprécient l'œuvre.
- Concentrez-vous sur la communication d'un seul message
Enfin, en ce qui concerne la centralité de la narration, demandez-vous quelle impression durable vous voulez que votre design laisse. Quel est le message principal, l'histoire plus large, que vous voulez que le personnage transmette ? Est-ce de l'empathie, de la tristesse, de la férocité ou de la colère, par exemple ? Le bien contre le mal ? Satire politique ?
Vous avez des outils différents des auteurs : les auteurs peuvent entrer dans les détails et expliquer toute incertitude ou contradiction avec des mots, mais vous n'avez pas ce luxe. Au lieu de cela, vous êtes beaucoup mieux servi en vous concentrant sur un aspect central que vous voulez que votre design communique, et en le rendant aussi clair que possible en supprimant ou atténuant tout élément distrayant ou conflictuel qui pourrait embrouiller le message.
Rassemblez du matériel de référence
Une fois qu'il y a une idée de la base du personnage, il est temps de faire des recherches et des préparations. Rassembler du matériel de référence inspirera non seulement, mais aidera les illustrateurs à continuer de grandir et d'améliorer leur métier.
Voici quelques façons préférées de rassembler des références :
- Parcourez Pinterest et les portfolios
Le bon côté de l'ère numérique dans laquelle nous vivons est qu'on peut aussi rassembler de l'inspiration de la vie réelle ou d'autres créateurs sans quitter la maison. Que ce soit pour créer des mood boards, épingler des images préférées ou chercher de l'inspiration, Pinterest et d'autres galeries comme Artstation sont un excellent point de départ.
On peut simplement chercher une "vibe" insaisissable ou un certain style d'art, ou chercher des conseils spécifiques sur les proportions corporelles et comment dessiner le mouvement, mais les recherches d'images en ligne et la navigation dans les portfolios d'illustrations sont sûres de donner des résultats intéressants assez rapidement. Soyez simplement prêt à trier quelques échecs avant de frapper l'or (et une fois que vous l'avez trouvé, mettez-les en favoris pour les projets ultérieurs).
Assurez-vous que la Silhouette Ressort
La silhouette d'un personnage façonne la manière dont les lecteurs le reconnaissent. C'est le contour ou la forme qui reste quand on enlève tout le reste, et bien la maîtriser posera les bases du personnage.
La plupart des personnages célèbres ont des silhouettes distinctes qui permettent de les reconnaître dans n'importe quel contexte, même en modifiant le style d'illustration original.
Regardons de plus près ce qui peut être fait pour créer une silhouette unique.
- Employez un Langage de Formes Cohérent
Maîtriser la silhouette signifie être conscient et intentionnel quant au langage de formes (également connu sous le nom de motif de formes) utilisé.
Selon la théorie de l'art, les différentes formes communiquent inconsciemment différents messages au spectateur. Au niveau le plus basique, les carrés peuvent indiquer des valeurs telles que la confiance, la stabilité, ou même l'entêtement ; les cercles pourraient indiquer que quelqu'un est amical, rebondissant, doux, ou heureux ; et les triangles peuvent suggérer des choses comme le tranchant, le danger, l'intensité, ou la vitesse.
Exemples bien connus :
- Carré : Spongebob, un carré littéral, appartient à la catégorie réconfortante et maladroite.
- Cercle : Winnie l'Ourson adhère constamment au motif du cercle, avec son ventre rond, ses oreilles et ses pattes. Même quand des accessoires sont ajoutés, ils tendent à rester dans le domaine rond, comme un ballon ou un pot de miel.
- Triangle : Sonic the Hedgehog, avec ses cheveux hérissés, est un exemple clair de la manière dont les formes triangulaires sont utilisées pour représenter visuellement la vitesse. L'illustrateur utilise ce langage de formes sur les oreilles et les pointes de ses chaussures également pour créer une cohérence.
Bien qu'il soit généralement bon d'éviter les messages contradictoires, combiner parfois des motifs de formes a du sens. Tant que c'est fait avec intention et en se rappelant de garder une forme comme point focal. Cela aide le spectateur à identifier instinctivement le message central, même s'il y a des sous-messages aussi.
- Ajoutez un Élément Unique
Si vous avez l'impression que tout ce qui est possible a été fait pour affiner la silhouette mais qu'il lui manque encore quelque chose pour la distinguer du reste, un simple truc à utiliser est d'ajouter un élément caractéristique. Cela peut être n'importe quoi, d'une coiffure (comme celle de Sonic), aux vêtements (comme la chemise de marin et la casquette de Donald Duck), à une arme (comme le crochet et la sabre de Captain Hook).
- Rendez Chaque Personnage Unique, Mais Cohérent
Si vous concevez plus d'un personnage pour un projet, on veut qu'ils soient à la fois différents les uns des autres pour pouvoir les distinguer, et suffisamment cohérents pour qu'ils aient du sens ensemble. Cela est principalement obtenu en maintenant le même style pour l'ensemble de la distribution, mais c'est plus facile à dire qu'à faire.
Pour s'assurer que les personnages ne deviennent pas trop similaires ou, au contraire, qu'ils ne semblent pas appartenir à la même page, contrôlez s'il y a une compréhension ferme de l'histoire globale et du monde dans lequel elle se déroule. De plus, n'oubliez pas de placer fréquemment les personnages côte à côte tout au long du processus d'illustration, de préférence sur la même feuille, pour voir comment ils interagissent les uns avec les autres.
- Comparez plusieurs personnages en utilisant des alignements
Dans un alignement, placez les personnages côte à côte sur une ligne de base pour comparer leurs dimensions, tout comme les suspects sont alignés devant un témoin.
En illustration, cela aide à révéler si les personnages sont trop similaires ou trop différents les uns des autres : si tous les personnages ont la même taille et la même corpulence, par exemple, l'illustration globale devient fade et le public aura plus de mal à distinguer les personnages ; si tous les personnages sont basés sur le même langage de formes, disons seulement des personnages ronds et circulaires, cela pourrait indiquer qu'il manque de la variation dans la distribution.
Essentiellement, comparer les personnages aidera à s'assurer que le design reste dynamique et qu'on ne dessine pas involontairement le même personnage encore et encore.
Exemples de design de personnages
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Soyez sélectif avec votre palette de couleurs
Une palette de couleurs soigneusement sélectionnée, c'est-à-dire avec moins de couleurs dans la palette, peut aider à créer de la clarté et à préparer le succès. Mais comment savoir quelles couleurs utiliser et comment les combiner ?
Eh bien, la couleur, tout comme la silhouette, consiste à se concentrer sur l'essentiel.
Voici quelques points à considérer lors du choix d'une palette de couleurs :
- Considérez le langage des couleurs
Tout comme la silhouette devrait être basée sur les principes de base du langage des formes, on peut choisir la palette de couleurs en considérant le langage et les émotions associés à certaines couleurs. Le problème est que le langage des couleurs est un peu plus complexe que le langage des formes.
Le jaune peut signifier la joie et le bonheur, le vert la confiance et la stabilité, et le rouge le danger. Mais le jaune peut aussi signifier maladif, le vert pourri ou empoisonné, et le rouge l'amour. Les couleurs peuvent aussi avoir des significations différentes selon la culture et le contexte, comme le fait que le rouge est une couleur porteuse de chance en Chine tandis que le blanc est la couleur du deuil, contrairement au noir dans de nombreuses cultures occidentales.
S'initier à la théorie des couleurs et choisir les couleurs avec soin est une bonne habitude à cultiver et aide à faire ressortir les personnages. Mais avec des options infinies sur le cercle chromatique, sans parler de la possibilité de jouer avec le contraste et les valeurs des couleurs, on devrait probablement aborder le langage des couleurs plus comme un guide que comme une règle stricte. La bonne nouvelle est que cela laisse beaucoup de place pour expérimenter.
- Utilisez les couleurs pour représenter les éléments
Une façon d'utiliser la couleur est d'indiquer le type d'environnement d'où vient un personnage, ou s'il a une capacité particulière à manipuler les éléments. On peut, par exemple, utiliser le bleu pour suggérer qu'un personnage vient d'un endroit froid, ou a la capacité de contrôler l'eau ou l'air, tandis que le vert pourrait signifier qu'il vient d'un endroit verdoyant, ou qu'il est capable de manipuler la mère terre.
Utiliser les couleurs de cette manière peut aider à raconter une histoire en se concentrant sur une caractéristique particulière et en la mettant en évidence. Cela signale au lecteur quel type de personnage il voit et comment il est censé se sentir à son égard.
- Créez une hiérarchie des couleurs
Pour les designers et les illustrateurs, la hiérarchie visuelle fait partie du pain quotidien ; c'est-à-dire, arranger les éléments du design de manière à guider les yeux du spectateur vers le point focal. Le choix des couleurs et l'établissement d'une hiérarchie interne parmi les couleurs peut être une façon de faire cela. Mais qu'est-ce que cela signifie ?
Eh bien, nous avons déjà dit qu'il faut être sélectif avec les couleurs et éviter d'en ajouter trop dans le même design. Ensuite, parmi les couleurs choisies, on pourrait vouloir sélectionner une couleur dominante qui est utilisée sur le point focal du design. Les autres couleurs de la palette devraient soutenir cette couleur, sans rivaliser avec elle, pour éviter que la palette ne devienne trop encombrée.
Dans Sonic the Hedgehog, par exemple, la couleur dominante est clairement le bleu tandis que les couleurs de soutien sont le blanc, le beige, le rouge, le vert néon et le noir. Aucune de ces couleurs ne rivalise avec le bleu pour attirer l'attention, mais elles ajoutent toutes des détails au design.
- Faites Attention à la Manière Dont Vous Combinez les Couleurs
Pour aider à sélectionner les couleurs pour la palette, il est également utile de considérer quoi et comment combiner les couleurs de manière efficace. Voici trois types de situations à surveiller :
Couleurs qui rivalisent pour l'attention : Une couleur concurrente peut simplement être une couleur qui essaie de surpasser la couleur dominante dans la hiérarchie des couleurs établie. Utiliser deux couleurs fortes en mesures égales peut détourner l'attention de l'élément destiné à être mis en évidence.
Couleurs trop similaires : Les couleurs qui se ressemblent commencent à se fondre les unes dans les autres, et parfois cela peut rendre les différentes parties du design du personnage moins distinctes. Une façon de le découvrir est de supprimer le trait pour voir si l'on peut encore clairement séparer un élément du design des autres, comme prévu.
Couleurs contrastées/complémentaires : 'Couleurs contrastées' ou 'complémentaires', c'est-à-dire des couleurs qui se trouvent exactement à l'opposé l'une de l'autre sur le cercle chromatique, risquent de disperser l'attention du public dans trop de directions à la fois. D'un autre côté, il n'y a aucun risque de fusion des éléments, alors utilisez-les avec intention et à bon escient.
- Vérifiez Votre Palette de Personnage Sur Divers Arrière-plans
Enfin, peu importe à quel point on choisit soigneusement les couleurs pour le design du personnage, n'oubliez pas de toujours le vérifier par rapport aux arrière-plan(s) sur lesquels les personnages seront placés. Tout le travail sera vain s'il entre en conflit ou se fond trop bien avec l'arrière-plan.
Tout cela dit, prenons un moment pour reconnaître que la théorie des couleurs est complexe et qu'il n'y a pas de règles strictes. Au final, c'est à chacun de décider quoi mettre en évidence et comment appliquer les couleurs, mais si l'on laisse la 'clarté' et la 'simplicité' du message être les principes directeurs, on est plus susceptible de suivre le bon chemin.
Exagérez Vos Observations de la Réalité
En tant qu'artiste, quel que soit le médium dans lequel on travaille, l'un des objectifs ultimes est probablement de capturer et de réinterpréter la réalité afin que d'autres personnes puissent la voir à travers un nouveau prisme ; raconter une histoire sur le monde tel qu'on le voit, dans l'espoir qu'elle résonne aussi avec d'autres personnes.
Évidemment, savoir comment capturer la réalité et communiquer quelque chose qui sonne vrai est l'une des plus grandes questions dans tout l'art, et probablement pas une que nous pourrons résoudre dans cet article, mais exagérer un ou deux éléments qui capturent quelque chose d'observé est un bon point de départ.
- Réduire à l'Essentiel
La première chose à faire avec le design est de le réduire à l'essentiel. Quel est le message principal de l'histoire que l'on veut communiquer, quelle est la qualité principale que l'on veut que le personnage représente, quel est le sentiment écrasant que l'on veut que le spectateur ressente en regardant le design, et quelles sont les silhouettes, couleurs et proportions que l'on peut utiliser pour y parvenir ? Et, surtout, comment ces éléments aident-ils à capturer le monde observé ?
Si l'on a ces réponses, beaucoup de décisions prises plus tard dans le processus sembleront évidentes, et pas vraiment des décisions, mais de l'instinct.
- Se Concentrer sur Quelques Détails
Ayant établi l'essentiel, il est temps de choisir quelques détails qui peuvent représenter le message sous forme visuelle. Disons que l'on veut communiquer la confiance et la stabilité, alors creusez le motif de la forme carrée et rendez-le extra évident avec une palette de couleurs non menaçante. Ou peut-être veut-on dessiner un personnage relatable et maladroit, alors donnez-lui deux pieds gauches, littéralement.
Peu importe ce que l'on fait, se concentrer sur quelques détails est mieux que d'essayer de tout faire en même temps. Cela rend plus facile pour le public de décoder le message et d'apprécier le storytelling. Et du point de vue du processus créatif, il est beaucoup plus facile de travailler avec un objectif clair en vue que si l'on est tiré dans trop de directions.
🦄 Astuce Pro : Un bon design de personnage repose sur la communication rapide d'un message, mais cela le rend aussi facile de retomber dans les clichés et les stéréotypes. Il y a d'innombrables méchants portant des capes sombres, et plus qu'assez de vixens alléchantes qui se ressemblent toutes, alors en décidant d'un détail à mettre en avant, pensez à comment y mettre sa propre touche, ou comment subvertir les conventions et les attentes au fur et à mesure.
- Jouer avec les Proportions et les Dimensions pour Diriger l'Attention
En plus de travailler sur les principaux composants de la silhouette (tête, torse, membres), on peut aussi se concentrer sur des détails tels que l'habillement, les traits du visage ou les accessoires pour créer un design de personnage unique et cool.
Qui ne peut s'empêcher de tomber amoureux d'un chien dont les oreilles sont si longues qu'il n'arrête pas de marcher dessus, ou de rire de l'antagoniste maléfique qui est trop petit pour manier correctement son arme ? Jouer avec les proportions de cette manière peut rendre le personnage mémorable et créer plus de variété dans un casting plus large.
- Capturer les Émotions avec des Traits Faciaux Clairs
En ce qui concerne les détails, les traits du visage sont souvent un excellent moyen de faire passer un message et de communiquer des émotions, mais ils sont aussi difficiles à bien exécuter. Un froncement de sourcils, un sourire idiot ou un rictus maléfique ont des effets très différents, et peuvent élever la conception à de nouveaux sommets, lorsqu'ils sont appliqués de manière appropriée.
Peu importe à quel point le costume est élaboré ou l'arme épique, les personnages peuvent sembler assez plats et dépourvus de personnalité si l'on ne prête pas la même attention à leurs traits du visage. C'est souvent là que la vraie émotion transparaît, donc un petit coup de pinceau peut avoir un grand impact sur le résultat final.
- Utilisez les poses pour transmettre des caractéristiques
Cela dit, les traits du visage ne sont pas le seul moyen d'exprimer des émotions ou de la personnalité. En fait, on obtiendra le meilleur effet en combinant cela avec le langage corporel. Un personnage peut serrer les dents autant qu'il veut, mais s'il se tient droit comme un piquet, le public est peu susceptible d'interpréter cela comme de la frustration. Et le sass s'exprime toujours le mieux avec une main sur la hanche et un roulement d'yeux, ne trouvez-vous pas ?
Les poses et le langage corporel peuvent exprimer tout, des idées typiques de féminité et de masculinité, à la tristesse, à la pensivité ou à la confiance.
Illustrations de personnages en action
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Voyez comment les personnages peuvent être placés dans différentes scènes et poses tout en conservant leur design distinctif.
Obtenez des retours et continuez à vous améliorer
Si vous avez utilisé les astuces et conseils de cet article et ajouté une touche unique au personnage, il est temps de demander des retours avant qu'il ne soit prêt à être publié.
- Demandez des retours à vos pairs et clients
De nombreux illustrateurs travaillent en freelance et, s'ils travaillent de chez eux, cela peut être assez isolant. C'est pourquoi construire un réseau d'autres professionnels de l'industrie en qui on a confiance pour donner un retour honnête et constructif aide. Si on a des difficultés avec un design mais qu'on n'est pas tout à fait sûr pourquoi, parfois on a juste besoin d'une nouvelle paire d'yeux, alors n'ayez pas peur de demander de l'aide et rappelez-vous d'être ouvert au retour reçu. Être membre d'organisations de l'industrie, comme SCBWI, est un excellent moyen d'établir des contacts avec d'autres designers qui pourraient être prêts à partager leurs insights.
Et si on travaille avec un client, ce sera le travail de décider comment intégrer leur retour, quand faire confiance à son instinct en tant que designer, et comment communiquer le design à un non-designer. En fin de compte, s'assurer que le client est satisfait du travail compte, donc la confiance et une bonne communication font toute la différence.
- Révisez et affinez votre design de personnage à la perfection
Avec le retour en main, il est temps de retourner à la planche à dessin et d'apporter des révisions ou des ajustements finaux. Une fois satisfait du résultat final, le personnage devrait être prêt à sauter de la page et à conquérir les cœurs des gens.
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Conclusion : Donner vie à vos personnages
Créer des designs de personnages iconiques est à la fois un art et une science. En centrant le storytelling, en rassemblant les bonnes références, en perfectionnant les silhouettes, en sélectionnant des palettes de couleurs réfléchies, et en exagérant des détails spécifiques, les illustrateurs peuvent créer des personnages que les lecteurs se souviendront longtemps après avoir fermé le livre.
Les personnages les plus mémorables proviennent de principes de design simples mais puissants. Que vous travailliez sur un livre pour enfants, un roman graphique, ou tout autre projet illustré, ces 20 conseils fournissent une base solide pour créer des personnages que les lecteurs se souviendront longtemps après avoir fermé le livre.
Le parcours du design de personnages est celui d'un apprentissage et d'une amélioration continus. N'ayez pas peur d'expérimenter, de chercher du retour, et d'itérer sur les designs. Avec la pratique et ces principes en tête, n'importe quel illustrateur peut créer des personnages qui capturent les cœurs et les imaginations.
