Guida al Design dei Personaggi: 30 Consigli per Illustrazioni Iconiche 2025
Padroneggia il design dei personaggi con 30 consigli comprovati per creare illustrazioni iconiche. Impara come progettare personaggi memorabili che danno vita alle tue storie e catturano i lettori.
Introduzione: Il Potere del Design dei Personaggi Semplice
Nel mondo dell'illustrazione, un design forte non deve sempre essere complesso o difficile. In effetti, alcuni dei personaggi illustrati più famosi si basano su principi di design semplici ma potenti. Pensate solo ai Simpsons o a Charlie Brown: entrambi personaggi apparentemente semplici, ma immediatamente riconoscibili e iconici.
Tuttavia, spesso non è così semplice come sembra trovare la combinazione perfetta di semplicità e chiarezza. Questa guida passa in rassegna consigli pratici per il design dei personaggi con numerosi esempi per illustrare, ovviamente.
🎨 Vuoi progettare personaggi iconici? Segui questi 20 consigli per design di personaggi semplici ma memorabili.
Metti al Centro la Narrazione
L'illustrazione è, nel suo nucleo, un mezzo narrativo che aiuta i lettori e gli spettatori a conoscere un personaggio oltre il loro aspetto. Mettere al centro la storia prima ancora di iniziare a pensare ai visuali getta una solida base e aggiunge profondità al design del tuo personaggio.
Ma "mettere al centro la storia" suona piuttosto astratto, quindi scomponiamolo un po' di più.
- Dai al Tuo Personaggio una Storia Passata
Un primo passo per mettere al centro la narrazione è iniziare a pensare alla storia passata. Non devi andare in profondità come farebbe un autore, ma avere un'idea di chi è il personaggio e cosa fa può aiutare a stimolare l'immaginazione e a disegnare qualcosa che catturi l'attenzione.
Ad esempio, quando si cerca di sviluppare una silhouette unica o di esagerare una particolare caratteristica (qualcosa di cui parleremo più avanti), conoscere la storia passata di un personaggio può informare tutto, dall'abbigliamento alla postura.
💡 Pro Tip: Assicurati che l'aspetto esteriore del personaggio corrisponda al suo arco narrativo in modo da evitare dissonanze distraenti tra i due!
Se lavori con un cliente che già conosce la storia passata del personaggio, come un autore, puoi chiedergli direttamente le informazioni necessarie per procedere. In questo modo puoi assicurarti che i capelli del personaggio siano effettivamente rosso fiammante o che stiano tenendo un arco da tiro con l'arco, come richiesto. Ma se non è un'opzione, investire un po' di tempo per creare un profilo approssimativo di quei personaggi aiuterà a creare un design più coerente e consistente, e ne varrà la pena a lungo termine.
- Ricorda Chi è il Pubblico di Riferimento
Molto come gli autori, devi avere una buona idea di chi è il tuo pubblico di riferimento per assicurarti di parlare un linguaggio pittografico che il pubblico comprenderà.
Idealmente, tutto il mondo apprezzerà il lavoro, ma realisticamente, il pubblico sarà più ristretto, quindi creare un ipotetico membro ideale del pubblico può aiutare a fare scelte di design migliori. Mettiti nei panni del pubblico e considera quali altri riferimenti hanno prima di avvicinarsi al lavoro e cosa si aspettano di vedere nel tipo di storia che viene raccontata.
Domande utili per determinare il pubblico target:
- Quali sono le demografiche del tuo pubblico target? Una nipote potrebbe apprezzare un tipo di personaggio, mentre uno zio probabilmente preferirà qualcos'altro del tutto.
- Quali riferimenti e esperienze precedenti ha il tuo pubblico target? Sono un lettore esperto di Manga, un laureato in Arti Classiche, o un completo principiante nella narrazione visiva?
- Che genere o tipo di illustrazione stai realizzando? Romanzi grafici sui supereroi, manhwa slice-of-life e libri illustrati capricciosi portano con sé diverse convenzioni stilistiche e tematiche che il pubblico si aspetta che tu rispetti o sfidi, ma almeno riconosca.
Non si può progettare un personaggio su misura per ogni tipo di lettore. Ma porre queste domande avvia un processo di pensiero che informa il design. Questo modella come i lettori interpretano, risuonano e apprezzano il lavoro.
- Concentrati sulla Comunicazione di Un Solo Messaggio
Infine, quando si tratta di centrare la narrazione, chiediti quale impressione duratura vuoi che il tuo design lasci. Qual è il messaggio principale, la storia più ampia, che vuoi che il personaggio trasmetta? È empatia, tristezza, ferocia o rabbia, ad esempio? Bene contro male? Satira politica?
Hai strumenti diversi dagli autori: gli autori possono andare nel dettaglio e spiegare qualsiasi incertezza o contraddizione con le parole, ma tu non hai questo lusso. Al contrario, sei molto avvantaggiato concentrandoti su un aspetto centrale che vuoi che il tuo design comunichi, e rendendolo il più chiaro possibile eliminando o attenuando qualsiasi elemento distraente o conflittuale che potrebbe confondere il messaggio.
Raccogli Materiale di Riferimento
Una volta che c'è un'idea della base del personaggio, è il momento di fare un po' di ricerca e preparazione. Raccogliere materiale di riferimento non solo ispirerà, ma aiuterà gli illustratori a crescere continuamente e migliorare il loro mestiere.
Ecco alcuni modi preferiti per raccogliere riferimenti:
- Naviga su Pinterest e Portfolio
Il bello dell'era digitale in cui viviamo è che si può anche raccogliere ispirazione dalla vita reale o da altri creatori senza lasciare la casa. Che si tratti di creare bacheche di umore, pinnare immagini preferite o cercare ispirazione, Pinterest e altre gallerie come Artstation sono un ottimo punto di partenza.
Si potrebbe semplicemente essere alla ricerca di un'elusiva "vibe" o di uno stile artistico particolare, o cercare consigli specifici sulle proporzioni del corpo e su come disegnare il movimento, ma le ricerche di immagini online e la navigazione attraverso portfolio di illustrazioni sono sicure di produrre alcuni risultati interessanti quasi istantaneamente. Basta prepararsi a setacciare qualche bidone prima di trovare l'oro (e una volta fatto, mettili tra i preferiti per progetti futuri).
Assicurati che la Silhouette Spicchi
La silhouette di un personaggio determina come i lettori lo riconoscono. Si tratta del contorno o della forma che rimane quando si rimuove tutto il resto, e realizzarla correttamente getterà le basi per il personaggio.
La maggior parte dei personaggi famosi ha silhouette distinte che permettono di riconoscerli in qualsiasi contesto, anche alterando lo stile originale di illustrazione.
Guardiamo più da vicino cosa si può fare per creare una silhouette unica.
- Impiega un Linguaggio delle Forme Consistente
Realizzare alla perfezione la silhouette significa essere consapevoli e intenzionali riguardo al linguaggio delle forme (noto anche come motivo delle forme) utilizzato.
Secondo la teoria dell'arte, forme diverse comunicano inconsciamente messaggi diversi allo spettatore. A livello più basilare, i quadrati possono indicare valori come fiducia, stabilità o persino testardaggine; i cerchi potrebbero indicare che qualcuno è amichevole, vivace, morbido o felice; e i triangoli possono suggerire cose come spigolosità, pericolo, intensità o velocità.
Esempi ben noti:
- Quadrato: Spongebob, un quadrato letterale, appartiene alla categoria confortevole e goffa.
- Cerchio: Winnie the Pooh aderisce costantemente al motivo del cerchio, con la sua pancia rotonda, orecchie e zampe. Anche quando si aggiungono oggetti, tendono a rimanere nel regno rotondo, come un palloncino o un vasetto di miele.
- Triangolo: Sonic the Hedgehog, con i suoi capelli spinosi, è un chiaro esempio di come le forme triangolari vengano usate per rappresentare visivamente la velocità. L'illustratore utilizza questo linguaggio delle forme anche sulle orecchie e sulle punte delle scarpe per creare coerenza.
Sebbene sia generalmente buona cosa evitare messaggi conflittuali, a volte ha senso combinare motivi di forme. Purché sia fatto con intenzione e ricordando di mantenere una forma come punto focale. Questo aiuta lo spettatore a cogliere istintivamente il messaggio centrale, anche se ci sono sottomeni.
- Aggiungi un Elemento Unico
Se si ha l'impressione che tutto il possibile sia stato fatto per affinare la silhouette ma manca ancora qualcosa per distinguerla dal resto, un semplice trucco da usare è aggiungere un elemento caratteristico. Potrebbe essere qualsiasi cosa, da un'acconciatura (come quella di Sonic), a un abbigliamento (come la camicia da marinaio e il cappello di Paperino), a un'arma (come l'uncino e la spada di Capitan Uncino).
- Rendi Ogni Personaggio Unico, Eppure Consistente
Se si progettano più di un personaggio per un progetto, si vuole che siano sia diversi l'uno dall'altro in modo da poterli distinguere, sia abbastanza coerenti da avere senso insieme. Questo si ottiene principalmente mantenendo lo stesso stile per l'intero cast, ma è più facile a dirsi che a farsi.
Per assicurarsi che i personaggi non diventino troppo simili o, al contrario, sembrino personaggi che non appartengono alla stessa pagina, controlla se c'è una solida comprensione della storia complessiva e del mondo in cui è ambientata. Inoltre, ricorda di posizionare frequentemente i personaggi uno accanto all'altro durante il processo di illustrazione, preferibilmente sullo stesso foglio, per vedere come interagiscono tra loro.
- Confronta più personaggi usando le lineup
In una lineup, posiziona i personaggi uno accanto all'altro su una linea di base per confrontare le loro dimensioni, proprio come i sospetti vengono allineati davanti a un testimone.
In illustrazione, questo aiuta a rivelare se i personaggi sono troppo simili o troppo diversi tra loro: se tutti i personaggi hanno la stessa altezza e corporatura, ad esempio, l'illustrazione complessiva diventa stantia e il pubblico avrà più difficoltà a distinguere tra i personaggi; se tutti i personaggi sono basati sullo stesso linguaggio di forme, diciamo solo personaggi rotondi e circolari, potrebbe essere un'indicazione che manca varietà nel cast.
In sostanza, confrontare i personaggi aiuterà a garantire che il design rimanga dinamico e che non si disegni involontariamente lo stesso personaggio più e più volte.
Esempi di design di personaggi
Nota come ogni personaggio abbia una silhouette distinta e caratteristiche uniche mantenendo una coerenza visiva. Crea personaggi di libri coerenti con il nostro servizio di illustrazione di personaggi, che mantiene una perfetta coerenza del personaggio in illustrazioni illimitate.
Sii Selettivo con la Tua Palette di Colori
Una palette di colori accuratamente curata, cioè avere meno colori nella palette, può aiutare a creare chiarezza e predisporre al successo. Ma come si fa a sapere quali colori usare e come combinarli?
Beh, il colore, proprio come la silhouette, consiste nel ridurlo all'essenziale.
Ecco alcune cose da considerare quando si sceglie una palette di colori:
- Considera il Linguaggio del Colore
Proprio come la silhouette dovrebbe basarsi sui principi base del linguaggio delle forme, si può scegliere la palette di colori considerando il linguaggio e le emozioni associate a certi colori. Il problema è che il linguaggio del colore è un po' più complesso del linguaggio delle forme.
Il giallo può significare gioia e felicità, il verde fiducia e stabilità, e il rosso pericolo. Ma il giallo può anche significare malato, il verde marcio o velenoso, e il rosso amore. I colori potrebbero anche avere significati diversi a seconda della cultura e del contesto, come il fatto che il rosso sia un colore portafortuna in Cina mentre il bianco è il colore del lutto, a differenza del nero in molte culture occidentali.
Familiarizzare con un po' di teoria del colore e scegliere i colori con cura è una buona abitudine da coltivare e aiuta a far risaltare i personaggi. Ma con infinite opzioni sulla ruota dei colori, senza contare la possibilità di giocare con il contrasto e i valori del colore, si dovrebbe probabilmente approcciare il linguaggio del colore più come una guida che come una regola ferrea. La buona notizia è che questo lascia tanto spazio per sperimentare.
- Usa i Colori per Rappresentare gli Elementi
Un modo per usare il colore è indicare che tipo di ambiente proviene un personaggio, o se hanno una particolare abilità per manipolare gli elementi. Si può, ad esempio, usare il blu per suggerire che un personaggio viene da un luogo freddo, o ha la capacità di controllare l'acqua o l'aria, mentre il verde potrebbe significare che provengono da un luogo verdeggiante, o sono in grado di manipolare la madre terra.
Usare i colori in questo modo può aiutare a raccontare una storia concentrandosi su una caratteristica particolare e mettendola in evidenza. Questo segnala al lettore che tipo di personaggio sta vedendo e come dovrebbe sentirsi nei loro confronti.
- Crea una Gerarchia di Colori
Per designer e illustratori, la gerarchia visiva fa parte del pane quotidiano; cioè, disporre gli elementi del design in modo che si guidi lo sguardo dello spettatore verso il punto focale. La scelta del colore e l'instaurazione di una gerarchia interna tra i colori può essere un modo per farlo. Ma cosa significa?
Beh, abbiamo già detto che si dovrebbe essere selettivi con i colori ed evitare di aggiungerne troppi allo stesso design. Poi, tra i colori scelti, si potrebbe voler scegliere un colore dominante che viene usato sul punto focale del design. Gli altri colori della palette dovrebbero supportare questo colore, non competere con esso, per evitare di rendere la palette troppo affollata.
In Sonic the Hedgehog, ad esempio, il colore dominante è chiaramente il blu mentre i colori di supporto sono bianco, beige, rosso, verde neon e nero. Nessuno di questi colori compete con il blu per attirare l'attenzione, ma aggiunge comunque dettagli al design.
- Presta Attenzione a Come Combini i Colori
Per aiutare a selezionare i colori per la palette, è anche utile considerare cosa e come combinare bene i colori. Ecco tre tipi di situazioni da tenere d'occhio:
Colori che competono per l'attenzione: Un colore concorrente potrebbe semplicemente essere un colore che cerca di superare il colore dominante nella gerarchia dei colori stabilita. Utilizzare due colori forti in misure uguali può distogliere l'attenzione dalla cosa che si intende evidenziare.
Colori troppo simili: I colori simili tra loro iniziano a fondersi, e a volte può rendere le diverse parti del design del personaggio meno distinte. Un modo per scoprirlo è rimuovere il line art per vedere se si riesce ancora a separare chiaramente un elemento del design dall'altro, come previsto.
Colori contrastanti/complementari: 'Colori contrastanti' o 'complementari, cioè colori che si trovano sul lato completamente opposto l'uno rispetto all'altro sulla ruota dei colori, rischiano di attirare l'attenzione del pubblico in troppe direzioni contemporaneamente. D'altra parte, non c'è il rischio di fondere gli elementi insieme, quindi usali con scopo e intenzione.
- Controlla la Tua Palette del Personaggio Contro Vari Sfondo
Infine, non importa quanto attentamente si scelgono i colori per il design del personaggio, ricorda di controllarlo sempre contro lo(i) sfondo(i) su cui i personaggi saranno posizionati. Tutto il lavoro sarà vano se stride o si fonde troppo bene con lo sfondo.
Detto questo, prendiamoci un momento per riconoscere che la teoria dei colori è complessa e che non ci sono regole ferree. Alla fine, si decide cosa evidenziare e come applicare i colori, ma se si lascia che 'chiarezza' e 'semplicità' del messaggio siano i principi guida, è più probabile imboccare la strada giusta.
Esagera le Tue Osservazioni della Realtà
Come artista, indipendentemente dal mezzo in cui si lavora, uno degli obiettivi finali è probabilmente catturare e reinterpretare la realtà in modo che altre persone possano vederla attraverso una nuova lente; raccontando una storia sul mondo come lo si vede, con la speranza che risuoni anche con altre persone.
Naturalmente, come catturare la realtà e comunicare qualcosa che risuoni vero è una delle domande più grandi in tutta l'arte, e probabilmente non una che potremo rispondere in questo articolo, ma esagerare uno o due elementi che catturano qualcosa di osservato è un buon punto di partenza.
- Ridurlo all'Essenziale
La prima cosa da fare con il design è ridurlo all'essenziale. Qual è il messaggio principale della storia che si vuole comunicare, qual è la qualità principale che si vuole che il personaggio rappresenti, qual è la sensazione travolgente che si vuole che lo spettatore provi guardando il design, e quali sono le silhouette, i colori e le proporzioni che si possono usare per ottenere questo? E, soprattutto, come queste cose aiutano a catturare il mondo osservato?
Se si hanno queste risposte, molte decisioni prese in seguito nel processo sembreranno ovvie, e non davvero decisioni, ma istinto.
- Concentrarsi su Pochi Dettagli
Aver stabilito l'essenziale, è il momento di scegliere pochi dettagli che possano rappresentare il messaggio in forma visiva. Supponiamo che si voglia comunicare fiducia e stabilità, allora approfondiamo il motivo della forma quadrata e rendiamolo extra ovvio con una palette di colori non minacciosa. O forse si vuole disegnare un personaggio relatable e goffo, quindi dategli due piedi sinistri, letteralmente.
Non importa cosa si faccia, concentrarsi su pochi dettagli è meglio che cercare di fare tutto in una volta. Questo rende più facile per il pubblico decodificare il messaggio e godere della narrazione. E dal punto di vista del processo creativo, è molto più facile lavorare con un obiettivo chiaro in vista che se si è tirati in troppe direzioni.
🦄 Pro Tip: Un buon design di personaggi si basa sulla comunicazione rapida di un messaggio, ma questo lo rende anche facile ricorrere a cliché e stereotipi. Ci sono innumerevoli cattivi con mantelli scuri, e più che sufficienti volpi seducenti che si assomigliano tutte, quindi quando si decide un dettaglio da evidenziare, pensate a come metterci il proprio tocco personale, o come sovvertire convenzioni e aspettative procedendo.
- Giocare con Proporzioni e Dimensioni per Direzionare l'Attenzione
In aggiunta al lavoro sui componenti principali della silhouette (testa, busto, arti), si può anche concentrare su dettagli come abbigliamento, tratti facciali o accessori per creare un design di personaggio unico e cool.
Chi non si innamora di un cane le cui orecchie sono così lunghe che continua a calpestarle, o ride dell'antagonista malvagio che è troppo piccolo per maneggiare correttamente la sua arma? Giocare con le proporzioni in questo modo può rendere il personaggio memorabile e creare più varietà in un cast più grande.
- Catturare le Emozioni con Tratti Facciali Chiari
Per quanto riguarda i dettagli, i tratti del viso sono spesso un ottimo modo per trasmettere un messaggio e comunicare emozioni, ma anche difficili da realizzare correttamente. Un cipiglio, un sorriso buffo o un ghigno malvagio hanno effetti molto diversi e possono elevare il design a nuovi livelli, se applicati in modo appropriato.Non importa quanto elaborato sia il costume o epico l'arma, i personaggi possono sembrare piuttosto piatti e privi di personalità se non si presta la stessa attenzione ai loro tratti del viso. È qui che spesso emerge la vera emozione, quindi un piccolo tocco del pennello può avere un grande impatto sul risultato finale.
- Usa Pose per Trasmettere Caratteristiche
Detto questo, i tratti del viso non sono l'unico modo per esprimere emozioni o personalità. In effetti, si otterrà il miglior effetto combinandoli con il linguaggio del corpo. Un personaggio può stringere i denti quanto vuole, ma se sta semplicemente dritto come un fuso, il pubblico è improbabile che lo interpreti come frustrazione. E la sfacciataggine è sempre meglio espressa con una mano sul fianco e un'alzata di occhi, non credi?
Le pose e il linguaggio del corpo possono esprimere tutto, dalle tipiche idee di femminilità e mascolinità, alla tristezza, pensosità o sicurezza.
Illustrazioni di Personaggi in Azione
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Vedi come i personaggi possono essere posizionati in diverse scene e pose mantenendo il loro design distintivo.
Ottieni Feedback e Continua a Migliorare
Se hai usato i consigli e i trucchi di questo articolo e hai aggiunto un tocco unico al personaggio, è ora di chiedere feedback prima che sia pronto per essere pubblicato.
- Chiedi Feedback a Colleghi e Clienti
Molti illustratori lavorano come freelance e, se lavorano da casa, può essere piuttosto isolante. È per questo che costruire una rete di altri professionisti del settore di cui ci si fida per dare feedback onesti e costruttivi aiuta. Se si ha difficoltà con un design ma non si è del tutto sicuri del perché, a volte si ha solo bisogno di un paio di occhi freschi, quindi non abbiate paura di chiedere aiuto e ricordate di essere aperti al feedback ricevuto. Essere membri di organizzazioni del settore, come SCBWI, è un ottimo modo per creare connessioni con altri designer che potrebbero essere disposti a condividere insight.
E se si lavora con un cliente, sarà compito decidere come incorporare il loro feedback, quando fidarsi dell'istinto come designer e come comunicare il design a un non-designer. In definitiva, assicurarsi che il cliente sia soddisfatto del lavoro conta, quindi fiducia e buona comunicazione fanno tutta la differenza.
- Rivedi e Perfeziona il Tuo Design del Personaggio fino alla Perfezione
Con il feedback in mano, è ora di tornare al tavolo da disegno e apportare revisioni o ritocchi finali. Una volta soddisfatti del risultato finale, il personaggio dovrebbe essere pronto a saltare fuori dalla pagina e conquistare i cuori delle persone.
Conclusione: Dare Vita ai Tuoi Personaggi
Creare design di personaggi iconici è sia un'arte che una scienza. Centrando la narrazione, raccogliendo i riferimenti giusti, perfezionando le silhouette, selezionando palette di colori thoughtfully e esagerando dettagli specifici, gli illustratori possono creare personaggi che i lettori ricordano a lungo dopo aver chiuso il libro.
I personaggi più memorabili derivano da principi di design semplici ma potenti. Che si stia lavorando a un libro per bambini, un romanzo grafico o qualsiasi altro progetto illustrato, questi 20 consigli forniscono una solida base per creare personaggi che i lettori ricorderanno a lungo dopo aver chiuso il libro.
Il viaggio del design dei personaggi è uno di apprendimento e raffinamento continui. Non abbiate paura di sperimentare, cercare feedback e iterare sui design. Con la pratica e questi principi in mente, qualsiasi illustratore può creare personaggi che catturano cuori e immaginazioni.
